Joy Kinna (nacida en 1997) es una pintora abstracta afincada en Vancouver Island, Canadá. Su obra, expuesta internacionalmente, explora la conexión —con uno mismo, con la familia y con el océano— a partir de sus experiencias vividas. Destaca por su enfoque táctil, en el que la textura y los materiales desempeñan un papel fundamental en el proceso.Sus pinturas surgen de la interacción entre el paisaje, la memoria, la emoción y el espacio físico. A través de un trazo cuidadoso y una apertura a lo fortuito, cada pieza evoluciona de forma orgánica. La obra de Kinna invita al descanso, a la reflexión y a una conexión personal significativa.
Tu obra transmite una gran intención y tiene muchas capas. ¿Podrías explicarnos tu proceso creativo, desde la primera chispa de inspiración hasta el resultado final?
Por supuesto, algunas de mis obras tienen sin duda más capas que otras, y creo que, en definitiva, mi trabajo se basa mucho en el proceso. En cada lienzo aprendo algo nuevo del anterior, y a veces se trata de explorar un color, un trazo concreto, una textura determinada, etc. A menudo me acerco al lienzo con la mente muy abierta: normalmente con unos pocos colores en mente o una idea general de la dirección o la forma, pero gran parte de lo que ocurre en el lienzo es intuitivo y, sinceramente, solo una reacción a pequeños momentos que suceden y que quiero conservar o transformar. Es como un pequeño juego constante, y yo solo soy una jugadora que mueve las piezas de ajedrez.
¿Qué papel desempeñan los materiales en tu trabajo? ¿Eliges tus lienzos, pigmentos o herramientas con el mismo esmero con el que un artesano del cuero elige sus pieles?
Como artista abstracta, el material es el núcleo de mi trabajo. Desde el principio hasta el final del proceso de creación de una obra, la selección del material es fundamental. Trabajo sobre lienzos sin tratar de gran gramaje, lo que me permite aplicar numerosas capas de materiales, agua y presión con la seguridad de que mis lienzos soportarán la obra que estoy creando. Trabajo principalmente con pinturas acrílicas solubles en agua. Por ello, el agua desempeña un papel fundamental como material; su fluidez lo es todo. Solo puedo controlarla hasta cierto punto, y cambia debido a la temperatura, además de otras variables.
En los últimos años, me han atraído mucho el grafito, las barras de óleo y la sal, ya que cada uno de estos materiales interactúa con el agua de forma muy diferente. Cuando utilizo la sal, el resultado es un poco impredecible. El grafito con el que trabajo también es soluble en agua, por lo que puedo ir acumulando capas o diluirlo mucho para que se disuelva en el agua. Los lápices de óleo suelen tener que ir en la capa final, sobre cualquier marca seca de acrílico y grafito. Los utilizo para mis trazos finales, ya que el óleo y el agua no se mezclan como ocurre con otros medios.
Enmarco todas mis obras terminadas en madera de fresno. Mi equipo se abastece de madera de fresno canadiense, y yo selecciono personalmente cada pieza del marco que rodeará la obra. Debido a las variaciones en el veteado y el color, nos esforzamos por combinar las piezas con un tono armonioso que complemente el cuadro.
Creo que, al igual que los artesanos del cuero eligen sus pieles, los materiales con los que trabajan los artistas dan forma y condicionan su obra. Como artista abstracto, gran parte de mi trabajo gira en torno a la interacción entre los materiales. Ahora mismo estoy ideando algunas esculturas y, una vez más, me doy cuenta de que la importancia de la conexión entre los materiales es aún mayor.
¿Cómo consigues equilibrar la espontaneidad y la precisión al crear una obra? ¿Hay algún momento en el que sabes que la obra está «terminada»?
Me encanta esta pregunta. Creo que nos lleva de vuelta a la importancia de observar realmente la obra como si fuera un jugador en el juego, y cuando surgen esos momentos espontáneos en el lienzo, a menudo escapan a mi control, ¡pero ahí reside precisamente la magia! Al igual que en la vida, cuanto más te dejas llevar y sueltas el control, más espacio hay para la magia. Mi papel como artista consiste en observar y preservar estos momentos tan hermosos, al tiempo que tomo decisiones sobre cuáles deben quedarse y cuáles necesitan un poco de apoyo o un cambio, por así decirlo.
Creo que la decisión de dar por terminada una obra o decidir si está completa es bastante intuitiva. Cuando, como artista, te sientes en paz al mirar la obra, sabes que está terminada»
¿Hay algún ritual o entorno en particular que te ayude a entrar en tu flujo creativo?
Sí, en mi estudio necesito tiempo y concentración para preparar mi espacio creativo, de modo que pueda entrar en un estado de fluidez. En mi caso, esto consiste en encender incienso, poner música y apartar los trabajos antiguos y demás objetos para poder centrarme de verdad en lo que tengo delante. Son rituales sencillos pero importantes que realizo antes de empezar un trabajo nuevo o de retomar los que tengo entre manos.
¿Cómo influyen en tu trabajo tu herencia cultural y tu historia personal? ¿Hay tradiciones o técnicas que hayan marcado tu estilo?
Me encanta esta pregunta. Gran parte de mi trabajo se inspira en el hecho de vivir en la costa. He pasado toda mi vida en la costa oeste de Canadá, pero mi padre nació en Noruega, en una isla costera, y he tenido el privilegio de volver allí en varias ocasiones. Mi abuela es, sin duda, la impulsora de compartir nuestra herencia noruega y nuestro profundo amor por las aguas costeras, y eso ha tenido un impacto muy profundo en mi trabajo. Tanto mis raíces escandinavas como el saber que mi familia proviene de una pequeña isla costera me dan un profundo sentido de pertenencia. Es como el hilo conductor que une generaciones de creación artística por parte de mi padre, junto con esta profunda conexión con la naturaleza.
¿Hay materiales a los que vuelves una y otra vez, casi como si fueran colaboradores de confianza?
Agua, sal, acrílicos y grafito. En cuanto al lienzo, trabajo sobre lienzo sin tratar. Me parece más natural, más sincero de alguna manera. Gran parte de mi obra contiene espacios en blanco, lo que permite que la textura y las fibras del lienzo queden a la vista e interactúen con el arte. Aunque, con el paso del tiempo, a medida que algunas de mis obras van cubriendo cada vez más superficie, a veces se pierde de vista el lienzo.
Me encanta cómo este lienzo retiene los materiales y el agua con los que me siento tan conectado.
¿Qué parte de tu proceso se aprecia en la obra final y qué parte permanece oculta bajo la superficie?
Depende mucho de la obra. Algunas han sido retocadas una y otra vez durante meses y han ido cambiando de forma. Probablemente haya toda una serie de pinturas bajo la superficie; sin embargo, otras obras parecen cobrar vida en un instante. A menudo, estas obras son más minimalistas y pueden completarse con la primera o la segunda capa.
Si alguien pudiera presenciar una parte de tu proceso creativo en el estudio, ¿qué momento elegirías y por qué?
Los primeros momentos sobre el lienzo. Se perciben como algo sagrado y, sin embargo, libre. El momento en que vierto el primer chorro de agua o pintura y luego imprimo movimiento a estos materiales es único cada vez. Es solo el comienzo, y realmente no sabes cómo va a evolucionar la obra. Me parece muy interesante comparar las primeras pinceladas con el cuadro terminado y ver lo diferentes que son en realidad.
¿Qué puntos en común artísticos ves entre tu obra y la de PARIS/64?
En mi práctica como artista, mi proceso está en constante evolución y perfeccionamiento. Es algo a lo que me dedico por completo y que resulta inevitable para cualquier artista o artesano que desee crear obras auténticas y hechas a mano que resistan el paso del tiempo. Estas obras requieren tiempo, energía y atención. Hay un nivel de calidad en mi trabajo que me esfuerzo por alcanzar, y que se refleja en los materiales, pero también en el esfuerzo artístico, algo similar a lo que veo en la artesanía de PARIS/64. Más que nunca, creo que el valor y la importancia de lo hecho a mano están aumentando. En un mundo de inteligencia artificial, sobreproducción y consumo de baja calidad, el arte y el diseño que resisten el paso del tiempo son inestimables.
La importancia que se concede a la calidad de los materiales y al esfuerzo creativo es donde veo el punto de encuentro entre mi trabajo y los impresionantes productos de PARIS/64.
