ジョイ・キナ（1997年生まれ）は、カナダ・バンクーバー島を拠点に活動する抽象画家です。国際的に作品を発表しており、自身の実体験をもとに、自分自身、家族、そして海とのつながりを探求しています。彼女の作品は、制作過程においてテクスチャーや素材が重要な役割を果たす、触覚的なアプローチを特徴としています。その絵画は、風景、記憶、感情、そして物理的な空間との相互作用の中から生まれます。丁寧な筆致と偶然性を受け入れる姿勢を通して、それぞれの作品は有機的に発展していきます。キナの作品は、休息や内省、そして個人的で深い結びつきへと人を誘います。
あなたの作品には、強い意志と多層的な深みが感じられます。最初のインスピレーションから完成に至るまで、どのように作品が形になっていくのか、制作プロセスについてぜひお聞かせください。
もちろんです。作品によっては、ほかの作品よりも明らかに多くの層を重ねているものもありますが、突き詰めれば、私の制作は“過程”そのものに深く根ざしていると思います。それぞれのキャンバスに向き合うたびに、前の作品から何か新しいことを学んでいますし、ときには特定の色や筆致、あるいは質感を探求していることもあります。私は多くの場合、できるだけ先入観を持たずにキャンバスに向かいます。たいていは、いくつかの色のイメージや、全体の方向性、あるいは形についての大まかな感覚だけを持って描き始めます。けれど、キャンバスの上で起こることの大部分はとても直感的なもので、正直に言えば、その場で生まれる小さな瞬間に反応しながら、それを残すのか、変化させるのかを見極めているのです。
制作において、素材はどのような役割を担っていますか？また、革職人が革を選ぶように、キャンバスや顔料、道具も同じように慎重に選ばれているのでしょうか？
抽象画家として、素材は私の作品の核となる存在です。作品を生み出す最初から最後まで、素材選びは極めて重要です。私は厚手の未処理キャンバスを使用しており、これによって多くの素材や水、圧力を重ねても、作品をしっかり支えてくれるという安心感があります。主に水溶性のアクリル絵具を使用しています。そのため、水は素材として非常に重要な役割を果たしており、その流動性こそがすべてです。ただし、それを完全にコントロールすることはできず、気温などさまざまな要因によって変化します。
ここ数年は、グラファイト、オイルスティック、そして塩に強く惹かれています。これらの素材はそれぞれ水との関わり方が大きく異なります。塩を使うと結果は少し予測できないものになります。私が使っているグラファイトも水溶性であるため、層を重ねたり、大きく薄めて水に溶け込ませたりすることができます。オイルスティックは通常、アクリルやグラファイトが乾いた後の最終層として使われます。油と水は他の素材のようには混ざらないため、最後の線や表現を加えるために使用しています。
完成した作品はすべてアッシュ材の木製フレームで仕上げています。チームではカナダ産のアッシュ材を使用しており、作品を囲むフレームの木材は私自身が一つひとつ選んでいます。木目や色合いには個体差があるため、絵と調和するよう、トーンのバランスを大切に組み合わせています。
革職人が革を選ぶように、アーティストにとっても素材は作品を形づくり、方向づける重要な要素だと思います。抽象画家として、私の仕事の多くは素材同士の相互作用に基づいています。現在はいくつかの彫刻作品を構想していますが、そこで改めて、素材同士のつながりの重要性をより強く実感しています。
作品を制作する中で、偶然性と精度のバランスはどのように取っていますか？また、どの瞬間に「完成した」と感じるのでしょうか？
とても好きな質問です。この問いは、作品をまるでゲームのプレイヤーのように本当に観察することの大切さを思い出させてくれます。キャンバスの上で自然に生まれる瞬間は、しばしば自分のコントロールを超えていますが、まさにそこに魔法があるのだと思います。人生と同じように、手放せば手放すほど、その分だけ魔法が入り込む余地が生まれます。アーティストとしての私の役割は、そうした美しい瞬間を見つめて大切に残しながら、どの要素を残すべきか、どこに少し手を加えるべきかを判断することです。
作品を完成させるかどうか、あるいは完成していると感じるかは、とても直感的なものだと思います。作品を見たときに心が穏やかになるなら、それが完成のサインです。
創作に没入するために、特別な習慣や環境はありますか？
はい。私の場合、アトリエでは創作の流れに入るために、空間を整える時間と集中が必要です。具体的には、お香を焚き、音楽を流し、過去の作品やその他の物を片づけて、目の前のものにしっかりと意識を向けられるようにします。これらはシンプルですが、新しい作品に取りかかる前や制作途中の作品に戻る前に行う大切な儀式です。
文化的な背景や個人的な経験は、あなたの作品にどのように影響していますか？また、スタイルに影響を与えた伝統や技法はありますか？
とても好きな質問です。私の作品の多くは、海辺で暮らしていることからインスピレーションを得ています。私はこれまでずっとカナダ西海岸で暮らしてきましたが、父はノルウェーの海沿いの島で生まれ、私自身も何度かそこを訪れる機会に恵まれました。祖母は、私たちのノルウェーのルーツや海への深い愛情を受け継ぐうえで大きな役割を果たしており、それが私の作品に大きな影響を与えています。スカンディナヴィアのルーツと、自分の家族が小さな海辺の島に由来しているという事実は、私に強い帰属意識を与えてくれます。それは、父の側に連なる世代を超えた創作の流れと、自然との深い結びつきをつなぐ一本の糸のように感じられます。
何度も立ち返りたくなる素材、いわば信頼できる“相棒”のような存在はありますか？
水、塩、アクリル、そしてグラファイトです。キャンバスについては、下地処理をしていないものを使っています。その方がより自然で、ある意味ではより誠実に感じられるからです。私の作品の多くには余白があり、そのことでキャンバスの質感や繊維が見えるまま残り、作品と相互に作用します。ただ、時間とともに作品によっては画面を覆う部分が増え、キャンバスが見えにくくなることもあります。
それでも、このキャンバスが、私が深く結びつきを感じている素材や水をしっかりと受け止めてくれるところに魅力を感じています。
制作過程のうち、最終的な作品に現れている部分と、表面の下に隠れている部分はどのようなものですか？
それは作品によって大きく異なります。何か月にもわたって何度も手を加えられ、形を変え続ける作品もあります。その表面の下には、いくつもの絵画が重なっているかもしれません。一方で、一瞬で命が吹き込まれたように感じられる作品もあります。そうした作品はよりミニマルで、最初の一層目か二層目で完成することも多いです。
もし誰かがあなたのスタジオで創作プロセスの一部を目にできるとしたら、どの瞬間を選びますか？またその理由は？
キャンバスに向かう最初の瞬間です。それは神聖でありながら自由でもあります。最初に水や絵具を注ぎ、それらの素材に動きを与える瞬間は、毎回まったく異なります。それはまだ始まりに過ぎず、作品がどのように展開していくかは本当に分かりません。最初の筆致と完成した作品を見比べて、その違いを感じることにとても魅力を感じます。
ご自身の作品とPARIS/64のあいだに、どのような芸術的な共通点を感じますか？
アーティストとしての私の制作は、常に進化し、洗練され続けています。これは私が全力で向き合っているものであり、時を超えて残る本物の手仕事による作品を生み出そうとするアーティストや職人にとっては、避けて通れないものでもあると思います。こうした作品には、時間とエネルギー、そして細やかな注意が必要です。私は常に一定のクオリティを目指しており、それは素材だけでなく、創作に注ぐ努力にも表れています。そうした姿勢は、PARIS/64のクラフトマンシップにも通じるものがあると感じています。これまで以上に、手仕事の価値と重要性は高まっていると思います。AIや過剰生産、低品質な消費が広がる現代において、時を経ても価値を持ち続けるアートやデザインは非常に貴重です。
素材の質へのこだわりと創造への真摯な取り組みこそが、私の作品とPARIS/64の素晴らしいプロダクトをつなぐ共通点だと感じています。
