Joy Kinna(1997년생)는 캐나다 밴쿠버섬을 기반으로 활동하는 추상화가입니다. 국제적으로 작품을 선보여 온 그녀의 작업은 자신의 실제 경험을 바탕으로 자기 자신, 가족, 그리고 바다와의 연결을 탐구합니다. 그녀의 작품은 제작 과정에서 질감과 재료가 중요한 역할을 하는 촉각적인 접근 방식이 특징입니다. 그녀의 회화는 풍경, 기억, 감정, 그리고 물리적 공간의 상호작용 속에서 탄생합니다. 세심한 붓질과 우연성을 받아들이는 태도를 통해 각각의 작품은 유기적으로 발전해 나갑니다. Kinna의 작품은 휴식과 성찰, 그리고 의미 있는 개인적 연결로 관객을 이끕니다.
당신의 작품에서는 강한 의도와 여러 겹의 깊이가 느껴집니다. 처음 영감을 받는 순간부터 최종 결과물에 이르기까지, 창작 과정을 설명해 주실 수 있을까요?
물론입니다. 어떤 작품들은 다른 작품들보다 확실히 더 많은 층을 가지고 있고, 결국 제 작업은 과정 중심적이라고 생각합니다. 저는 매 캔버스마다 이전 작품으로부터 새로운 것을 배웁니다. 때로는 특정 색, 특정한 흔적, 특정한 질감을 탐구하는 일이기도 합니다. 저는 대개 매우 열린 마음으로 캔버스에 다가갑니다. 보통 몇 가지 색이나 전체적인 방향, 형태에 대한 감각 정도만 가지고 시작하지만, 캔버스 위에서 일어나는 많은 일들은 직관적이며, 솔직히 말하면 그 순간 생겨나는 작은 장면들에 반응하면서 그것을 보존할지 변화시킬지를 결정하는 과정입니다. 마치 끊임없이 이어지는 작은 게임 같고, 저는 체스 말을 움직이는 플레이어일 뿐입니다.
작업에서 재료는 어떤 역할을 하나요? 캔버스, 안료, 도구를 선택할 때 가죽 장인이 가죽을 고르듯 세심하게 선택하시나요?
추상 화가로서 재료는 제 작업의 핵심입니다. 작품을 시작부터 완성까지 만들어가는 전 과정에서 재료 선택은 매우 중요합니다. 저는 두꺼운 생 캔버스를 사용하며, 이를 통해 여러 겹의 재료, 물, 압력을 가해도 캔버스가 작품을 충분히 지탱해 줄 것이라는 확신을 가질 수 있습니다. 주로 물에 녹는 아크릴 물감을 사용합니다. 그래서 물은 매우 중요한 재료이며, 그 유동성이 모든 것을 좌우합니다. 다만 완전히 통제할 수는 없고, 온도 등 다양한 요소에 따라 변화합니다.
최근 몇 년 동안 저는 흑연, 오일 스틱, 그리고 소금에 큰 매력을 느끼고 있습니다. 이 재료들은 각각 물과 매우 다르게 상호작용합니다. 소금을 사용할 때는 결과가 다소 예측 불가능합니다. 제가 사용하는 흑연 역시 수용성이어서 여러 층으로 쌓거나 많이 희석해 물에 녹여 사용할 수 있습니다. 오일 스틱은 보통 마지막 레이어에, 아크릴과 흑연이 마른 위에 사용됩니다. 기름과 물은 다른 재료처럼 섞이지 않기 때문에 마지막 터치에 사용합니다.
완성된 작품은 모두 애쉬 우드 프레임으로 마감합니다. 저희 팀은 캐나다산 애쉬 우드를 사용하며, 작품을 둘러싸는 프레임의 각 목재를 제가 직접 선택합니다. 나뭇결과 색상의 차이가 있기 때문에, 작품과 조화를 이루는 톤으로 맞추기 위해 세심하게 조합합니다.
가죽 장인이 가죽을 선택하듯, 예술가가 사용하는 재료 역시 작품을 형성하고 방향을 결정짓는 요소라고 생각합니다. 추상 작가로서 제 작업의 많은 부분은 재료 간의 상호작용에 기반합니다. 현재 몇 가지 조각 작업을 구상 중인데, 이 과정에서도 재료 간의 연결이 얼마나 중요한지 다시 한 번 느끼고 있습니다.
작품을 만들 때 어떻게 즉흥성과 정밀함의 균형을 맞추시나요? 또 어떤 순간에 작품이 ‘완성되었다’고 느끼시나요?
정말 좋아하는 질문이에요. 이 질문은 마치 게임 속 플레이어처럼 작품을 바라보는 것의 중요성을 다시 떠올리게 합니다. 캔버스 위에서 자연스럽게 생겨나는 순간들은 종종 제 통제를 벗어나지만, 바로 그 지점에 마법이 있다고 생각해요. 삶과 마찬가지로, 더 많이 내려놓고 통제를 놓을수록 마법이 들어올 여지가 커집니다. 아티스트로서 저의 역할은 이러한 아름다운 순간들을 관찰하고 지켜내는 동시에, 어떤 부분을 유지하고 어떤 부분은 조금 더 보완하거나 변화시켜야 할지를 결정하는 것입니다.
작품이 완성되었는지에 대한 판단은 매우 직관적이라고 생각합니다. 작품을 바라볼 때 마음이 편안해진다면, 그것이 바로 완성된 순간입니다.
창작에 몰입하기 위해 특별한 습관이나 환경이 있나요?
네, 제 작업실에서는 창작의 흐름에 들어가기 위해 공간을 준비하는 시간과 집중이 필요합니다. 저에게는 향을 피우고 음악을 틀며, 이전 작업과 주변 물건들을 치워 눈앞의 작업에 온전히 집중할 수 있도록 하는 것이 포함됩니다. 이는 새로운 작업을 시작하거나 진행 중인 작업으로 돌아가기 전에 반드시 거치는 단순하지만 중요한 의식입니다.
문화적 배경과 개인적인 경험은 작업에 어떤 영향을 주었나요? 또한 현재 스타일에 영향을 준 전통이나 기법이 있나요?
정말 좋아하는 질문입니다. 제 작업의 많은 부분은 해안에서의 삶에서 영감을 받습니다. 저는 평생 캐나다 서해안에서 살아왔지만, 아버지는 노르웨이의 해안 섬에서 태어나셨고 저 또한 그곳을 여러 번 방문할 기회를 가졌습니다. 할머니는 우리의 노르웨이 유산과 바다에 대한 깊은 사랑을 이어주는 중심적인 존재였고, 이는 제 작업에 매우 깊은 영향을 미쳤습니다. 스칸디나비아 뿌리와 가족이 작은 해안 섬에서 비롯되었다는 사실은 저에게 깊은 소속감을 줍니다. 이는 아버지 쪽 가문의 세대를 이어온 창작의 흐름과 자연과의 깊은 연결을 이어주는 하나의 실처럼 느껴집니다.
마치 신뢰할 수 있는 협력자처럼 반복해서 사용하게 되는 재료가 있나요?
물, 소금, 아크릴, 그리고 흑연입니다. 캔버스는 가공되지 않은 원단을 사용합니다. 그 편이 더 자연스럽고, 어떤 면에서는 더 진실하게 느껴지기 때문입니다. 제 작품의 많은 부분에는 여백이 있어 캔버스의 질감과 섬유가 그대로 드러나며 작품과 상호작용합니다. 다만 시간이 지나면서 일부 작품은 점점 더 많은 면적을 덮게 되어 캔버스가 보이지 않게 되는 경우도 있습니다.
그럼에도 이 캔버스가 제가 깊이 연결되어 있다고 느끼는 재료와 물을 잘 받아들이는 점이 정말 마음에 듭니다.
작업 과정 중 최종 결과에 드러나는 부분과 표면 아래에 숨겨진 부분은 무엇인가요?
작품에 따라 많이 다릅니다. 어떤 작품은 몇 달 동안 반복해서 수정되며 형태가 계속 변화합니다. 표면 아래에는 아마 여러 겹의 그림이 쌓여 있을 것입니다. 반면 어떤 작품은 한순간에 생명을 얻은 것처럼 완성되기도 합니다. 이런 작품들은 보다 미니멀하며 첫 번째나 두 번째 레이어에서 완성되기도 합니다.
누군가가 작업실에서 창작 과정의 한 장면을 볼 수 있다면, 어떤 순간을 선택하시겠습니까? 그리고 그 이유는 무엇인가요?
캔버스 위에 처음 흔적을 남기는 순간입니다. 그것은 신성하면서도 자유로운 느낌을 줍니다. 물이나 물감을 처음 붓고 그 재료에 움직임을 주는 순간은 매번 유일합니다. 그것은 시작에 불과하며 작품이 어떻게 전개될지는 알 수 없습니다. 처음의 붓질과 완성된 작품을 비교하며 그 차이를 느끼는 것이 매우 흥미롭습니다.
당신의 작업과 PARIS/64 사이에서 어떤 예술적 공통점을 느끼시나요?
아티스트로서 저의 작업 과정은 끊임없이 발전하고 다듬어지고 있습니다. 이는 제가 온전히 헌신하고 있는 부분이며, 시간을 견디는 진정한 수작업 작품을 만들고자 하는 모든 예술가와 장인에게 필연적인 과정이라고 생각합니다. 이러한 작품들은 시간, 에너지, 그리고 집중을 필요로 합니다. 저는 제 작업에서 일정 수준의 퀄리티를 추구하며, 이는 재료뿐만 아니라 예술적 노력에서도 드러납니다. 이러한 점은 PARIS/64의 장인 정신에서도 공통적으로 느껴집니다. 지금보다 더, 수작업의 가치와 중요성은 점점 커지고 있다고 생각합니다. 인공지능, 과잉 생산, 저품질 소비가 넘쳐나는 시대에, 시간을 견디는 예술과 디자인은 매우 소중합니다.
재료의 품질과 창작에 대한 헌신에 대한 중요성에서 저는 제 작업과 PARIS/64의 뛰어난 제품 사이의 연결점을 느낍니다.
